Cigarettes after sex - Apocalypse

Hoy me levanté por la mañana, y me vino a la cabeza la secuencia de una de las mejores series que he visto últimamente, "The Rain". A parte de la temática y los escasos diálogos, me fascinó la fotografía, las luces y la banda sonora, cuidada y compenetrada con las imágenes, los silencios y las prolongadas miradas entre los protagonistas. 

Aún medio dormido, tatareaba la canción Apocalypse del grupo Cigarettes after sex, y con la mirada perdida en la pared, recordaba la secuencia en la que sonaba la canción, dos de los protagonistas abiertos al amor, descubriéndose en cada segundo, en cada mirada, en cada risa nerviosa, en cada roce...., como si ese momento fuera el más intenso y único de tú vida, el más íntimo....

Con Cigarettes after sex entramos de nuevo en el encasillamiento de las etiquetas: "dream pop", "ambient"...., un grupo labrado a base de subir vídeos a Youtube a cuentagotas, sin prisas, con millones de visitas y un estilo cuidado al milímetro lleno de melancolía. Aunque el curioso y original nombre del grupo ya defina mucho por donde van los tiros, la verdad es personalmente,  me da lo mismo como quieran definir su música, los sentimientos que me trasmiten al escuchar sus canciones están muy por encima de etiquetas y modas. Cuando una canción consigue cambiar tu estado de ánimo, su música pasa a estar en una escala superior a todas las demás, entra directamente en ese círculo exclusivo de canciones atemporales. 

"Apocalypse" consigue alcanzar ese grado exclusivo en mi escala desde el primer momento, desde los primeros segundos de escucha, te ves atrapado por el ritmo constante de la suave batería,creando una atmósfera cargada de belleza, tanto a nivel musical como de texto. La voz pausada de Greg González nos seduce con andrógina ambigüedad, con un tono cansino, como arrastrando las palabras pero con una seguridad aplastante, hablándonos de amor y sexo sin tapujos.... La letra romántica, poética, compleja, con curiosas rimas como la de "lips" (labios) y "apocalypse" (apocalipsis), que le dan ese toque sexy e interpretativo.

La canción fluye de forma suave y agradable..., perfecta para cerrar los ojos y dejarte llevar, o incluso quedarte dormido plácidamente. Pocas veces el decir que una canción te da sueño puede resultar tan positivo y placentero, y te aseguro que si te quedas dormido, te levantarás con una sonrisa en cara, como lo he hecho yo esta mañana....


"Saltaste de puentes que se desmoronaban
viendo paisajes urbanos convirtiéndose en polvo.
Filmando helicópteros estrellándose en el océano desde lo alto.

Tengo la música en ti, cariño, ¿dime por qué?
Tengo la música en ti, cariño, ¿dime por qué?

Besos en las frentes de los amantes envueltos en sus brazos,

has estado escondiéndolos en pianos ahuecados abandonados en la oscuridad."

Johnny Cash - Hurt

Reconozco que odio esa sensación al levantarse por la mañana sin haber descansado lo suficiente. Cuando has pasado una mala noche, cuando estás tan  cansado que  no eres capaz de dormir,  la cabeza te da vueltas, el cuerpo está inquieto y aunque mantienes los ojos cerrados sientes como el sueño se aleja poco a poco de ti y los minutos empiezan a caer como losas....

Me despierto  agotado, y la voz de Johnny Cash versionando Hurt, de Nine Inch Nails retumba en mi cabeza, con esa voz grave y cansada, como expirando los últimos momentos de la vida.

Hurt ,(compuesta en el año 1994), es una canción autobiográfica de Trent Reznor, quizás una de las canciones más tristes y dolorosas jamás compuestas. Un Trent Reznor sumido en una espiral de drogas y sufrimiento, acompañado por una crisis existencial que le haría entrar en una fase de autodestrucción, intenta aferrarse a lo más mínimo para no seguir cayendo en el oscuro pozo, consciente de la vida que le queda por delante, pero incapaz de saber como afrontarla. Como suele ocurrir en estos casos, ese hundimiento a los infiernos se contrapone con el mayor punto de creatividad musical. 

La versión de Johnny Cash se antoja de primeras difícil, sólo alguien que hubiera atravesado un infierno parecido, podría llegar al nivel de la original, pero él no sólo no lo consigue, sino que le da otra perspectiva completamente distinta, la de un hombre que ha conseguido todo, pero sigue sufriendo sus propios demonios, presentes y pasados... Un superviviente que canta su canción de despedida, de arrepentimiento y redención.... Johnny Cash consiguió hacer suya la canción, alejándose de la original para darle otro sentido.

Por aquellos años, la importancia de acompañar la canción con un buen vídeo era esencial, más que vídeos eran pequeños clips con una calidad de producción inmensa, en este caso, Mark Romanek consiguió crear uno de los mejores videoclips de la historia. Un resumen de sus momentos más gloriosos, contrastados con su vejez y su enfermedad. En el vídeo se puede ver a su esposa Jen, que moriría tres meses después de la filmación. Cuatro meses más tarde le acompañaría Johnny Cash...

"Llevo esta corona de espinas, 
sobre mi trono de mentiroso.
Lleno de pensamientos rotos
que no puedo arreglar.
Bajo las manchas del tiempo, 
los sentimientos desaparecen.
Tú eres otra persona, 
yo todavía sigo estando aquí.

¿En qué me he convertido, 
mi más dulce amigo?
Todas las personas que conozco, 
al final se van.
Y podrías tenerlo todo,
mi imperio de basura.
Te decepcionaré, 
te haré sufrir."

Mikel Erentxun - Y sin embargo te quiero.

Hoy me levanté por la mañana pensando en el ir y venir de las relaciones, como el vaivén de las olas...., unas más grandes y largas, otras cortas, espumosas y más tranquilas.... Así es como se construyen las relaciones, y como con el tiempo aprendes a valorar los errores, los temores y los momentos bajos, para a continuación coser con hijo gordo y resistente una vida en común que se agranda con los años....

Este disco de Mikel Erentxun, "El hombre sin sombra", me fue enganchando poco a poco en cada escucha para convertirse al final en ese disco del día a día.
Al contrario que los anteriores, este es un disco intimista, mayormente acústico y cercano, de esos que te gustan escuchar en soledad. La voz de Mikel suena cercana, limpia, su voz sale del corazón, con la madurez suficiente de saber que no tiene nada que demostrar más que el disfrutar componiendo las canciones de un disco conceptual que empieza con un amor agrietado que se va reconstruyendo canción a canción.

"Y sin embargo te quiero", es una declaración de amor en toda regla, un reconocimiento a la superación, un latido constante del corazón que transmite la emoción del autor.  "Me han crecido alas en las cicatrices", quizás sea este el verso que define al disco.

"Pensando en ti
Con sangre en las gotas
Cicatrices de miel
Y el alma rota
Fuimos los dos
Fuimos ninguno
Amor animal
Amor forastero
Es martes la lluvia cae con fuerzas en la ciudad
Y sin embargo te quiero...."

Los Planetas - Linea 1

Hoy me he levantado y me he sentido bien.... Quizás fueran las dos cervezas que me tomé ayer en buena compañía, esos momentos tranquilos llenos de buenas conversaciones entre sorbo y sorbo que hacen que el tiempo se detenga aunque la realidad sea completamente distinta, esos momentos en los que de pronto surge el milagro, como en multitud de ocasiones,entre tema y tema termina apareciendo esa canción que estabas esperando, esa melodía que se quedará en bucle en tu cabeza. Cuando me acosté ayer, sabía que por la mañana me iba a levantar tatareando esta canción.

"Linea 1", melodía sencilla y bella. Directa y explícita. Canción perteneciente al que quizás sea el mejor disco de Los Planetas, y uno de los mejores discos del rock español: "Una semana en el motor de un autobús". Disco que marca un antes y un después en el grupo, que en una edad clave, consiguió abrirme un universo sonoro completamente nuevo, lleno de capas y texturas sonoras. Jota y compañía editan su mejor disco una vez que tienen asumido que jamás serán ese grupo de superventas con el que habían soñado, dan rienda suelta a la creatividad y nos regalan unas canciones llenas de vida, amores, celos, drogas y culpas..., un mundo de autodestrucción sin fondo, un pozo en el que dejarte caer sin esfuerzo, sin mirar atrás.

Uno de los pilares del disco, que lo diferencian de su antecesor, es la incorporación de Erik Jiménez, batería de Lagartija Nick, que marca el ritmo sonoro constante en todas las canciones. Una batería dura y agresiva que contrasta con los arreglos de cuerdas y violines que acompañan a la mayoría de las canciones y que muchas veces te preguntas que pintan ahí..., pero que con el tiempo te das cuenta que son parte imprescindible que completan la obra maestra. 

La canción, que originalmente fue preparada para ser eléctrica y termina siendo una preciosa balada acompañada de unos deliciosos arreglos de cuerda,  cuenta el trayecto de la Linea 1 de autobús que cogía Jota para ir a casa de su amigo Florent, la misma línea que usaban los toxicómanos para ir a comprar a un barrio de la ciudad.... Ese sentimiento de culpabilidad, de querer arreglar tu vida, pero terminar cayendo de nuevo.... Como cuenta en la canción: "Después de todo, esto no está mal....".

"Iba a hacerlo esta mañana.
Levantarme de la cama.
Comprar algo de comida.
Empezar con otra vida.
Pensé que sería lo mejor,
toda esta mierda se acabó
Voy a dejarlo de verdad,
ya no me gusta nada.
Y a ordenar por fin la casa,
y lavar estas dos mantas,
y recuperar mis discos,
y unas cosas que he perdido.
Y después pensé: ¡mejor que no!
y puse la televisión.
Subí a pillar un poco más,
después de todo esto no está mal."

Gary Jules - Mad World

Hay mañanas que te levantas escuchando las noticias, y poco a poco te vas hundiendo en la cama, como si tu cuerpo cada vez tuviera más peso y te costara mover cada músculo. Es una sensación de desamparo, ver como nos vamos destruyendo poco a poco, y las noticias asépticas y carentes de sentimientos están al orden del día, como si nos hubiéramos acostumbrado a las bombas, asesinatos, guerras, insultos...., la anormalidad convertida en normal.

Ahí entra esta preciosa versión de Gary Jules y cómo una canción puede ser bonita y triste a la vez. Canción originalmente compuesta por Tears for Fears en el año 1982, y que Gary Jules consigue con su versión, desprenderse del sonido ochetentero y de los sintetizadores, para dejarla casi desnuda, únicamente con una base de piano y unos sencillos arreglos de cuerda que la dejan limpia de artificios....

La canción describe desde la perspectiva de un adolescente, un mundo gris, con gente inexpresiva, desorientada, sin futuro..., en donde se disfruta el sueño como evasión. Por eso admiro e intento imitar a la gente positiva, que pese a los golpes que da la vida,  son  capaces de ver el vaso medio lleno.


"Todo a mí alrededor son caras conocidas
Sitios gastados, caras gastadas.
Listas y despiertas para sus carreras diarias
Hacia ningún sitio, hacia ningún sitio.
Sus lágrimas empañan las gafas
Inexpresivas, inexpresivas.
Oculto mi cabeza, quiero ahogarme en mi pena
No hay mañana, no hay mañana.
En cierto modo resulta divertido, en cierto modo triste.
Los sueños en los que agonizo son los mejores que he tenido."


Existe dos vídeos de la canción. El primero que vi, y que más me impactó, fue el realizado para promocionar un juego Gears of War, imágenes apocalípticas que se adaptan perfectamente al ritmo de la canción. 

4 non Blondes - What´s up?

Desde hace días, me despierto con la palabra ilusión en mi cabeza. Es cierto que cuesta mucho mantener la ilusión por las cosas cotidianas que realizas, pero si no consigues que cada día tenga ese punto que lo haga diferente al anterior, la vida se vuelve monótona y sin sentido...

Cuando hablo de ilusión, me viene a la cabeza la cara de Linda Perry, cantante y líder del grupo 4 non Blondes, grupo efímero de un sólo disco, más aún, dentro de ese único disco, un sólo éxito. No contenta con la producción final del disco, ni con el futuro del grupo, decidió intentar la carrera en solitario, con poca fortuna. Fortuna que si tuvo como productora de grandes artistas. 

Ahí la tengo en mi cabeza,  cantando "What´s up?", con esos ojos brillantes, vivos...., con esas ganas de comerse el mundo. ¡Y vaya si se comió el mundo!, una canción y un vídeo que marcaron el rock alternativo de principios de los noventa.

"What´s up?" es un canto a la revolución, una revolución pacífica llena de ilusión, un canto sonoro que te grita al oído que puedes ser lo que quieras si tomas conciencia de tu propio valor. Es lo que Linda se pregunta a lo largo de toda la canción: "¿qué está pasando?, "vamos a cambiar el mundo", necesitamos una revolución"...., y aunque hubieran pasado ya más de 25 años, es un mensaje actualmente vigente.

"Y a veces lloro
Cuando reposo en mi cama
Solo para sacar todo
Lo que esta en mi cabeza
Y me siento algo raro.

Y entonces me despierto por la mañana
Y salgo fuera
Y tomo un buen respiro y llego hasta arriba
Y grito a todo pulmón
¿Que esta sucediendo?"

Anni B Sweet - Take on me.

Hoy me levanté descansado, y reconozco que no suele ocurrir muy a menudo. Pocas veces consigo descansar lo suficiente, pocas veces me despierto relajado y con esa sensación de haber recuperado el cansancio acumulado del día anterior. Por eso, cuando hoy me desperté, pese a que estaba lloviendo y aún era de noche,  me vino a la cabeza esta preciosa versión de La famosísima canción de A-ha: Take on me. Versión facturada de forma magistral por Anni B Sweet.

Allá por el 2009, Anni B Sweet publica su primer disco, cuando aún era menor de edad, pero con una madurez que consiguió asombrar a público y crítica: Start, restart, undo, un puñado de canciones que  bebían de las influencias folk, un acústico melancólico que se suma a Russian Reed y Alondra Bentley, las cuales habían triunfado poco antes con la misma fórmula.  

La voz melancólica, aguda, capaz de variar los registros vocales sin apenas esfuerzo, acompañado de un sencillos arreglos, apenas una guitarra y algunas veces una leve percusión que ni por asomo le quita protagonismo, la consolidaron después de tres más que notables discos, en un referente del indie español.

La versión de Take on Me, la catapultó hacia el éxito internacional gracias al anuncio de una famosa cadena de de comida rápida,  llegando el vídeo a emitirse en la famosa cadena musical de TV: Vh1. Como ya dije en alguna ocasión en este blog, la dificultad de llevar a tu terreno una canción, hacerla tuya, y lograr cautivar a una generación que se crió escuchando la original, merece todo el respeto.

“Me iré en uno o dos días. 
No hace falta decir que 
estoy hecho pedazos. 

Pero ese que está 
caminando soy yo. 
Aprendiendo lentamente 
que la vida está bien. 

Dilo conmigo: no es mejor estar 
seguro que lamentarlo.”

Band Á Part - David y Claudia.

Hoy, cuando desperté esta mañana de un profundo sueño, y dejaba que mi cuerpo se fuera activando poco a poco a la rutina de la vida, recordaba el punteo  de guitarra de esta canción que se repetía una y otra vez con ese ritmo constante, que hacía que moviera la cabeza al ritmo de la suave batería.

Claudia y David, canción original de Los Planetas, un clásico  convertido en imprescindible de la historia del rock español, versionada aquí por el grupo Band Á Part con notable maestría. No es fácil elegir una canción con tanto peso, llevarla a su terreno en lo musical y en lo vocal, y salir airoso. El peligro de las “covers”, ¡cuantas canciones destrozadas en el intento!. Si hubiera tenido que arriesgarme a predecir una opinión antes de escucharla, conociendo el estilo musical del grupo me hubieran asaltado los prejuicios, muy habituales en el mundillo musical, quizás no hubiera perdido ni un segundo de mi valioso tiempo libre, por eso he de agradecer a mi yo curioso por descubrirme esta delicia, y llegar a la conclusión de que es difícil poderlo hacer mejor.

Claudia y David, de nuevo una canción de amor. Irónicamente los nombres están basados en la historia del mago David Copperfield y la modelo Claudia Schiffer, pero en el fondo, esconde un amor pasional, un amor idealizado hasta el extremo, de esos que te encierran en un mundo paralelo al real, que te aíslan de todo lo que te rodea para centrarte en lo único que existe en ese momento en tu vida, el creer que si estamos los dos juntos, nuestro amor podrá con todas las trabas de la vida. Romanticismo extremo, o lo que es lo mismo, egoísmo en estado puro.  ¿A quién no le ha pasado alguna vez?, o..., ¿quién no ha tenido ese amigo que de pronto desaparece del mundo al conocer a una chica?...

La suave y aniñada voz de Coral, totalmente opuesta a la de Jota (cantante de Los Planetas), transforma la sensación de angustia de la original, en una canción vital, consiguiendo darle un toque de viveza y de alegría ficticia.


"Puedo hacer una prueba 
Puedo hacer que me quieras 
Puedo andar dentro de ti 
Puedo estar en tu cabeza y 
Que no mires a nadie nunca más"

Los Piratas - Mi coco

Hoy me levante pensando en lo rápido que pasa el tiempo, la rapidez con la que transcurren los días y lo poco que disfrutamos del momento, el tiempo que perdemos en analizar actos pasados que apenas importan ya, en juzgar a personas que quizás no conocemos, o que sí que conocemos, pero nos cuesta aceptarlos tal y como son, en preocuparnos en lo que piensan los demás, en lo que dirán, en como nos miran, en buscar la felicidad futura olvidándonos de vivir el presente. Así transcurre nuestro día a día....

Con estas ideas en la cabeza recién despierto, no puedo dejar de escuchar esta cancion, la voz de un Iván Ferreiro en estado de gracia, conteniendo la rabia y e inmerso en un de dudas... "Mi coco" de Los Piratas, canción perteneciente a su disco más completo: "Manual para los fieles" del año 1997, con el que consiguieron el mayor éxito de crítica y ventas, amparado por ligeras bases electrónicas claramente influenciados por unos Radiohead, que en ese mismo año publicarían el que para muchos es el mejor disco de la década, el Ok computer.

"Mi coco" no deja de repetir una y otra vez esas frases directas, positivas..., ese intento por luchar y seguir hacia adelante después de un fracaso:  "La pena dura tanto como quieras tú seguir llorando", una frase simple y clara, todo una declaración de intenciones en donde Iván Ferreiro te invita, casi de manera forzosa, a dar ese cambio que necesitas, a darte la vuelta y mirar al frente con optimismo..., un optimismo que parece no existir, pero que se busca con intensidad.



"Y cómo le podría yo explicar 
que la pena dura tanto 
como quieras tú seguir llorando, 
y aunque tú revises tu interior 
siempre queda algo que 
te dice que esto es para largo. "

Cat Power - Sea of love

Hoy me he despertado con esta canción en la cabeza, y al momento me fueron apareciendo pequeños fotogramas  de la película Juno, de Jason Reitman, esa típica película que cuando la ves en el momento y a la edad adecuada, se convierte en una joya, que sabes que volverás a ver cada cierto tiempo por temor a olvidar esos pequeños detalles que te estremecieron las primeras veces.

La estética pop, la temática, los personajes...., todo esto acompañado de una fabulosa banda sonora llena de canciones que se adaptan a cada momento de las secuencias como pequeños videoclips, que no podrían entenderse por separado, una canción tras otra que te ayudan a introducirte de lleno en la historia de Juno. Reconozco que rápidamente me cautivó  el personaje secundario que interpreta Jason Bateman, marido acomodado en la cuarentena, que cuando empieza a tener contacto con la adolescente protagonista Juno y se da cuenta que esa no es la vida que quiere vivir, y comienza a recuperar todas las ilusiones truncadas y denostadas a la fuerza por la sociedad para hacerse mayor y responsable. Me pareció un toque irónico de como son nuestras vidas, y como la sociedad nos obliga de desprendernos de nuestra capacidad de ser niños....

Ahí es en donde entra Cat Power versionando Sea of Love, tan sólo con su guitarra y su voz, no puede existir una letra tan sencilla, pero a la vez tan directa. Una declaración de amor en toda regla narrada por la frágil voz de Cat Power, como si un día se hubiera despertado sin más, agarrado su guitarra, y sin pensarlo se hubiera puesto a cantar, con la inocencia de una niña que realiza sus actos sin pensar, sólo porque le apetece..., sin más. 

 Mientras escucho la canción, veo a los dos protagonistas ( Ellen Page y Michael Cera), abrazados..., tumbados encima de la cama, pensando en el incierto pero ilusionante futuro post-adolescente que les espera, pero disfrutando del momento intensamente, como si ese instante fuera el último de sus vidas.


"Ven conmigo,
Mi amor,
Hacia el mar,
El mar de amor.

Quiero decirte,
Lo mucho que Te Amo.

Recuerdas cuando nos conocimos?
Ese fue el día que supe que serías mío.

Quiero decirte,
Lo mucho que Te Amo."

Morcheeba - Moog Island.

Hoy me desperté destemplado, con esa sensación de tener el calor concentrado en una posición, y que con cada movimiento, tu zona de confort se ve alterada. Al momento me recordó a mis años universitarios en Ferrol, al frío que pasaba por las mañanas al levantarme, esa humedad que se te metía en los huesos y no se iba ya en todo el día por mucho que te abrigaras. Por aquellos años comenzaba a despuntar el Trip-Hop, una nueva etiqueta para definir un estilo de música que fusionaba el soul, blues, la variante más experimental del breakbeat, la electrónica...Canciones pausadas, basadas en samples y beats repetitivos. Todo una mezcla de estilos. Ahí estaba yo, que renegaba de todo lo que no fuera la estructura básica del Rock (batería, bajo, guitarra), empezando a escuchar grupos como Portishead, Tricky o Morcheeba... 

Recuerdo ir caminando a clase con mi Walkman por la calle, con esa sensación rara de no saber aún que era todo aquello,  y sin creerme pudiera estar escuchando ese tipo de música, tal repetitiva, con guitarras ocasionales que ya no eran protagonistas, pero lo curioso es que me gustaba, me atraía y disfrutaba con cada escucha.

Moog Island, es la canción que abre el primer disco de Morcheeba, “Who can you Trust?”.  Juntar a los hermanos Godfrey (un Dj y un multi instrumentalista), con la voz sedosa y profunda de Skye Eduards, sólo podía dar como resultado una mezcla de talento transformado en unas canciones hipnóticas. A lo largo de su discografía, Morcheeba fue variando su música hacia estilos más poperos,  más soul, quizás más comerciales, aunque manteniendo la base que los encumbró como unos de los máximos exponentes del Trip Hop.

La voz sedosa y susurrante de skye, y esos bajos constantes que acompañan a toda la canción, te hace caer en un estado de pausa, de sedación, en donde el tiempo transcurre despacio al ritmo de los samples de Godfrey. Una joya que dura 5:22 minutos, pero que podría durar un disco entero sin darte cuenta. 

Esta canción representa su música en estado puro.

“La música que hacemos va a curar todos nuestros errores y nos lleva,
La música que escuchamos está siempre de pie cerca para alimentarnos.”

Francisco Nixon - Bares de taxistas

Hoy me he despertado con una sonrisa, esa sensación tranquila de que todo va a ir bien, hoy no habrá problemas ni sobresaltos, y si los hay, la importancia y el tiempo que dedicaré a preocuparme por ellos, va a ser nula. Hoy nadie ni nada conseguirá alterar mi estado de ánimo, mi sonrisa sarcástica.

Abrí los ojos, y un Francisco Nixon acompañado de su destartalada guitarra apareció ante mi tocando esta canción. Vi su cara irónica cantando a esa chica a la que hace tiempo que no ve, como lo hace un romántico empedernido de mirada tímida.

Las canciones De Francisco Nixon son cercanas, sinceras y sencillas..., no tienen ningún artificio que empañe lo que verdaderamente quiere transmitir. Después de formar parte de los dos mejores grupos del índice español, Australian Blonde y La Costa Brava, Nixon ya no tiene nada que demostrar, disfruta construyendo pequeñas melodías con letras directas, muchas de ellas seguramente autobiográficas como esta: Bares de taxistas, dedicada al Bar Iberia en Madrid, típico bar que a unas horas determinadas se mezclan los que empiezan la jornada laboral con un buen café cargado, con los que buscan tomar la última copa cargada de hielo incapaces de irse a casa a descansar...,  coincidiendo por un momento, dos estados de ánimo que comparten espacio y tiempo, pero con fines completamente diferentes.

Bares de taxistas pertenece al disco: “El problema de los tres cuerpos”, una joya de disco creado a tres bandas con dos buenos amigos The New Raemon y Fernando Vicente. El sonido es limpio, y la canción suena desnuda, como si saliera directamente de la cabeza a la voz, sin grandes metáforas..., hablando de la vida cotidiana, de lo que nos puede pasar una mañana a ti a mi, del día a día, de nuestras vidas...

“No tengo nada que ofrecerte,
Me enamore nada más verte...
Y me encontraré contigo,
Y estaremos bien...
Como dos desconocidos..., 
Sin saber que hacer,
Sin saber que hacer....”

The Connells - ‘74-‘75.

Hoy me desperté con un sentimiento de nostalgia muy por encima al de cualquier otro día, no se si los sueños (de los que casi nunca me acuerdo), influyen en esa sensación matutina, pero hoy nada más despertarme, estuve unos minutos pensando en el paso del tiempo, en lo rápido que pasa la vida y lo poco que la disfrutamos. Al momento Me vinieron a la cabeza las imágenes del vídeo de esta canción. Ahí estaba de nuevo la MTV, mostrándonos un vídeo trabajado, de esos que cuando lo graban, saben que lo van a ver millones de personas, y sería un espaldarazo para que la canción y a su vez el disco llegara  a ser un gran éxito.

The Connells, uno de esos grupos, que si no hubiera sido por esta canción, perteneciente a su disco: Ring (1993), se habría quedado en un grupo intrascendente, pero que consiguió el éxito masivo gracias a la cadena musical, y ese vídeo que mostraba a una promoción en sus tiempos de instituto, y cómo se transformaron casi veinte años después. Todos buscábamos explicaciones al vacío entre unas imágenes y otras, imaginándonos esos años de difíciles elecciones personales que marcan tu vida para siempre.

El grupo sufrió lo inesperado, tener más éxito fuera que en su propio país, lo que fue un arma de doble filo. Por un lado, que siempre te recordarían en todo el mundo por esta canción, y por el otro, que pudieras seguir grabando discos con apenas repercusión comercial. Es el precio que tienes que pagar por conseguir un “hit” tan rotundo.

Nostalgia..., sí, ya se que es un recurso fácil, pero hay que decir que lo que les valió en su momento para ser un éxito, sigue estando vigente en nuestros días, más aún cuando mi generación, la que disfrutó de esta canción con la recién cumplida mayoría de edad, sufre ahora con los cuarenta un ataque de nostalgia sin precedentes preguntándose continuamente...., qué hubiera pasado si aquel día hubiera dicho que si...., si no me hubiera ido a casa..., o si hubiera tenido agallas y le hubiera dado aquel beso....

“Yo fui el que te lo dijo,
yo fui tu "y fueron infelices y no comieron perdices" 
de los años 74 y 75
Dame más y resistiré,
porque en realidad tú solo buscas los años 74 y 75....”

Nirvana - Where did you sleep tonight.

Hoy cuando me desperté por la mañana ya era tarde. La poca luz de un día nublado y húmedo entraba por la ventana, y me sentía tan descansado y tranquilo,  que me vino a la cabeza la imagen de un Kurt Cobain totalmente relajado y sonriente, con esa chaqueta raída de.... ¿ lana?, sentado, cantando como nunca lo había hecho, sin esa mala leche que mostraba en los conciertos, en el Unplugged de la MTV grabado en 1994 en New York. No se si esta sensación fue una coincidencia o no, pero recordando a Cobain interpretando la última canción del disco poco antes de suicidarse, me ha recordado a la entrada anterior del blog, como si fuera una cara b de un disco. La cara b del My My, Hey Hey de Neil Young.

Reconozco que su muerte, unos meses después me impactó, y escuchar su voz en este disco publicado poco después de haberte pegad un tiro en la cabeza, resultaba duro y a la vez premonitorio de lo que ocurriría después. No fue un grandes éxitos  como pretendía la MTV, sino que tocaron las canciones que más le apetecían, e incluso un tercio del disco eran versiones. La voz de Cobain se escucha pura, con un poso de dolor, la de un hombre atormentado, por las drogas, dolores de estómago..., sobrepasado por la repentina fama difícil de digerir. Todo ese dolor queda reflejado en cada nota, en cada rasgueo de la guitarra, en cada frase pronunciada como si fuera la última vez. Quien sabe si ya tenía todo planificado en su cabeza.

Where did you sleep tonight, es la última canción del disco, una canción Folk tradicional, sin autor reconocido e interpretada por multitud de artistas. Pero la desgarradora interpretación de Cobain, fue considerada la versión definitiva, con esa carga emocional acumulada en su interior sobre todo al final de la canción. 

En mis retinas quedará grabada esa mirada perdida en el infinito, antes  de cantar la última frase de la canción. ¿Se puede transmitir más sentimientos  en tan poco tiempo?

“Murió alrededor de una milla de aquí. 
Encontraron su cabeza en el volante del coche, 
Pero su cuerpo nunca fue encontrado. 
Mi chica, mi chica, donde irás? 
Voy donde sopla el viento frío. 
Mi chica, mi chica, no me engañes. 
Dime, donde dormiste anoche ?”

Neil Young - My My, Hey Hey (Out of the Blue)

Cuando me levanté esta mañana, hablaban en la radio de una de esas entregas de premios grandilocuentes que se celebran ahora, en donde la música ya es lo de menos, lo importante es el espectáculo, las luces, los vestidos... Reconozco que apenas soy capaz de reconocer ninguna de las canciones, e incluso distinguir unas de otras. Sí, lo acepto, soy un rockero-popero trasnochado.

En seguida me vino a la cabeza esta canción de Neil Young, estoy seguro que mis sensaciones fueron muy parecidas a cuando la escribió en el año 79. El ver como los medios de comunicación más populares van arrinconando poco a poco la música que más escuchas.... Ahora todo es mucho más sencillo, tenemos internet y acceso a lo que queramos, es difícil sentirnos engañados por las "radioformulas",  pero en aquella época, si no salías en la radio no eras nadie, y caías en picado hacia el olvido.

My My, Hey Hey (out of the blue), es la canción que abre el disco Rust Never Sleep, del año 1979. Cantada en acústico, suena como un lamento ante la explosión del movimiento punk y la inminente llegada de grunge, que unida a la muerte de Elvis Presley, intuía la decadencia del rock más  clásico. Renovarse o morir. Después de tantos discos publicados, Neil Young parecía que ya había dicho todo, que podía caer en el estancamiento continuo, en la repetición de ideas, pero con este disco quiso dejas las cosas. "Aquí estoy."

La canción está llena de frases lapidarias, como la que ha marcado para siempre esta canción: " It´s better to burn out than to fade away", ("es mejor quemarse que desvanecerse lentamente"), toda una declaración de intenciones, que Kurt Cobain incluyó en su nota de suicidio.

Con este disco, y en concreto, con esta canción...., Neil Young consigue reinventarse a si mismo y evolucionar para conquistar a las nuevas generaciones venideras....

"El rock and roll está aquí para quedarse,
Es mejor quemarse
que apagarse.
El rock and roll nunca puede morir..."

Mazzy Star - Fade into you.

Cuando me desperté esta mañana, y aún me revolvía entre las sábanas aprovechando los últimos segundos de placer, me vino a la cabeza la voz sedosa  y sensual de Hope Sandoval cantando esta canción. Cerré los ojos y la pude ver de pie, inmóvil, delante del micrófono mirándome con esa mirada tímida y aniñada.  De pronto recordé aquellos momentos a oscuras de mi adolescencia, con los cascos y aislado del mundo, o más bien, aislado en mi mundo. Esa adolescencia llena de dudas e incertidumbres....

Fade into you, perteneciente al segundo  disco: So tonight that I Might, es la canción..., o explicado de otra forma, cómo crear la canción perfecta en el momento perfecto, ya no hacía falta nada más, ya se había creado el mito, habían conseguido dar en el clavo con una sola canción, el sueño perseguido por millones de ilusos grupos. Mazzy Star no fueron los creadores de la etiqueta: “Dream pop”, pero sí que lograron con esta canción el punto álgido de ese estilo.  

Hope Sandoval tiene una de las voces más carismáticas del pop,  su frágil y tímida presencia en los escenarios te cautivaba al instante, escuchar su timbre en estos casi cinco minutos de placer sonoro, es vivir uno de los mejores momentos musicales de la década de los noventa, y mucha culpa, a parte de las radios, la tuvo la llegada de las parabólicas, y de los canales internacionales a la tv. Quizás nunca hubiéramos descubierto esta joya sin la MTV, canal de referencia para muchos adolescentes en los noventa como yo.

Fade into you,  aglutina toda la sensibilidad de una generación...

“Una luz extraña se cuela lentamente
El corazón de un extraño sin hogar
Metes tus manos en tu propia cabeza
y entonces las sonrisas cubren tu corazón...”

Belle and Sebastian - Like Dylan in the movies.

Esta mañana me levanté con esa sensación de haber soñado con una película, esos sueños que te parecen tan reales mientras los vives, pero que al despertarte se esfuman como el humo. Al momento me di cuenta que sin querer, estaba canturreando esta canción, y supe al instante, que aunque no consiguiera nunca recordar el sueño, si tenía claro cual era su banda sonora...

Belle and Sebastian es de esos grupos a los que, o se les odia, o se les ama de forma incondicional. Yo entro en el segundo grupo, amor incondicional. Tuve la suerte de conocerlos en una etapa de mi vida en donde todo eran dudas e inseguridades, y sus suaves y sencillas canciones, me hacían sentir bien, conmigo mismo y con el mundo. Los que descubrimos a Belle and Sebastian desde sus comienzos, somos una generación que nos sentimos en su momento diferentes, singulares, como de un estatus social que nos hacía especiales con respecto a las demás personas. Descubrimos sus canciones, su temática sensible y emocional, y sonreíamos cuando conocíamos a alguien que escuchaba sus canciones, como si fuera de los nuestros.

Like Dylan in the movies, no fue la primera canción, pero si la que más me llenó, la escuchaba mientras me recreaba en la preciosa portada, del disco: "If you´re feeling sinister", el mejor disco incluso según su lider, Stuart Murdoch, del que siempre dijo que era las mejores canciones juntas que había escrito nunca. Un disco aclamado por la crítica y considerado uno de los mejores discos de los noventa, con su portada singular, cuidada al milímetro, y como todos los díscos de Belle and Sebastian, con una tonalidad que lo hace único. La canción  tiene ese ritmo marcado del bajo de Stuart David, que se convierte en parte esencial, acompañado por la guitarra de Steve Jackson, siempre pendiente de que todos los arreglos queden perfectos, y así es, todo suena en su sitio. Una canción con referencias a Bod Dylan, con un sonido acústico, sofisticado y elegante, que te atrapa hasta el último segundo.

“Si ellos te siguen,
no mires atrás
Como Dylan en las películas,
tú solo...
Si te siguen,
no es tu dinero lo que buscan, chico, eres tú...”

Xoel López - Todo lo que merezcas.

Esta mañana me he despertado cuando más profundo dormía, después de una noche llena de momentos en donde el sueño huía de mi, por mucho que le rogara que se quedara a mi lado... Esa sensación tan desagradable, de creerte que no has dormido lo suficiente, de sentir que es imposible que el resto del día pueda ir mejor, como si desde la mañana a la noche tuviera incrustada en mi cabeza todas esas horas de falta de sueño, martilleándome sin parar.

Y con todas esas sensaciones en mi cabeza, me vino al instante la preciosa y a la vez dura canción de Xoel: “Todo lo que merezcas” perteneciente a su segundo disco en solitario; Paramales, en donde continúan esos ritmos latinoamericanos influenciados por su estancia en Argentina,  (aunque menos que en su anterior disco). 

Todo lo que merezcas, es una canción que nadie desearía que le dedicaran, el odio acumulado de una dolorosa ruptura, cantada sin reparos, sin escatimar en reproches. Pocas veces escuché una letra de desamor tan dura.

La versión que pongo aquí, es la cantada por Miren Iza, acompañada por Xoel a la guitarra. Si ya la letra es dura, cantada por la particular y delicada voz de Miren..., se torna mucho más cruda incluso que la original.

“Y que te falte el aire
Y que te ahogue el silencio
Y llores todos los días
Como me hiciste llorar a mí
Y que tus días se llenen
De infinito desierto
Y que te abrase el frío
Que un día casi me abrasa a mí...”

Blueberry Hill - BCN.

Me desperté por la mañana, un domingo frío, húmedo y lluvioso, y en seguida me vino a la cabeza esta canción, BCN, perteneciente al último disco de los barceloneses Blueberry Hill, (Giants). Uno de esos grupos injustamente desconocidos por el gran público. Recordé cuando los escuché por primera vez, esas largas noches esperando que comenzara los conciertos de Radio 3, una de la pocas plataformas para grupos desconocidos o que intentan arrancar una carrera musical, un programa que comenzaba sobre la una de la mañana, y que conseguía crear ese clima de intimidad perfecta que te da la noche, la oscuridad, el silencio, la soledad..., como si el concierto, con apenas público, lo realizarán en tu propio salón en exclusiva para ti.

El concierto comenzaba con esta deliciosa canción, con la pequeña  María detrás de los teclados, que consiguía desde las primeras frases, que me agarrara  al sofá para no moverme hasta los aplausos finales. Todo perfectamente calculado, pequeños paisajes serenos con efectos balsámicos. Los dedos de María, subiendo y bajando por el teclado...., perfecto detalle, que se te queda incrustado en la cabeza, deseando que se repita una y otra vez a lo largo de toda la canción.

BCN es la canción perfecta para acompañar como banda sonora un pequeño momento de tu vida, que parecía insignificante, pero cuando al cabo del tiempo lo vuelves a revivir, se convierte en único.