Big Thief - Shark smile

Big Thief - Shark Smile.

Uno de los mayores placeres de los sábados por la mañana, es abrir la ventana y quedarme en la cama mirando el cielo y las nubes, sintiendo el frío y la brisa de la mañana  rozar levemente mi cara mientras intento solución a los problemas de la vida...

Mientras miraba las grandes nubes moverse tatareaba bajo el abrigo del edredón esta sencilla pero atractiva canción. A veces la letra consigue que la sonoridad quede en un segundo plano, pero en este caso, el mensaje y el ritmo hacen que no puedas dejar de escucharla una y otra vez, como cuando deseas que una canción nunca acabe. ¿Porqué tiene que durar tan poco si es la canción perfecta?, quizás ahí radique el truco, dejarte con las ganas de más y volver a darle al play.

Big Thief y su cantante Adrianne Lenker (cantante y guitarrista), consiguen un pleno en lo que para muchos es el camino fácil de la nostalgia, con cada canción consiguen iluminar y enriquecer el presente con los minuciosos recuerdos del pasado. Olvidar los detalles malos y quedarte con los buenos, y sobretodo conseguir con canciones conmover a gente que no conocen nada de tu vida..., difícil tarea.

Capacity, el segundo y rápido disco fue la confirmación a un primer disco alabado por la crítica independiente, lleno de canciones más suaves pero mas estables en cuanto sentimientos, y Shark Smile es la canción que sobresale por encima de todas, por su letra y por su sonoridad, con su ritmo constante de bajo y batería, y la preciosa voz de Adrianne sonando delicada y limpia como nunca. 

La canción describe el accidente de circulación de dos amantes en las que una muere y la otra sobrevive, pero ella recuerda una y otra vez a su amante, deseando reunirse con ella. ¿Cómo poder evitar cantar ese "woo, cariño..., llévame contigo" del estribillo?

"Era una sonrisa de tiburón en una furgoneta amarilla
Ella vino y yo robé una mirada

En mi juventud, un vampiro
Evelyn muestra tranquila como rosas picar
Se me pasó en un mal momento
¿Pero quién no iba en una línea a la luz de la luna?
La tenía en mi ojo, 85 por el camino de un callejón sin salida

Y ella dijo «woo

Cariño, llévame
Y yo dije «woo
Cariño, llévame a mí también

Se apoderó de ella en un mal momento
Paseando por winona por la línea punteada
Nos mantuvo disparando
90 millas por el camino de un sueño sin salida
Miró con una parte de sonrisa
Atrapado en el centelleo, podría tomar un tiempo
Y la pila de dinero en el tablero de instrumentos revoloteando

Como ella dijo, woo
Cariño, llévame
Y yo dije «woo
Cariño, llévame a mí también

El beso de Evelyn fue oxígeno
Me incliné para aceptarlo
Mientras íbamos aullando a través del borde del sur des moines
Se me pasó en un mal momento
Se quemó sobre la línea doble
Y ella se empaló mientras alcanzaba mi mano por la barandilla
Oh, la barandilla

Ella dijo que cortejara
Cariño, llévame
Y yo dije «woo
Cariño, llévame a mí también"

Vetusta Morla - Maldita Dulzura

Hoy me levanté con sensaciones de verano y vacaciones, momentos de tranquilidad y de pausa. Esos días de verano en los que el tiempo se desliza entre tus dedos sin prisa. Nada es urgente, nada tiene una hora predefinida, los actos suceden según vayan pasando sin orden de preferencia, sólo porque  sí, porque la vida tiene que seguir. Estas son las sensaciones que tengo al levantarme los viernes siempre que me toca guardia un sábado, el estrés en contraposición con la tranquilidad de aquellos días, el yin y el yang.

Y todas estas sensaciones, vienen acompañadas al despertarme de la personal  voz de Pucho, cantante de Vetusta Morla, y la canción "Maldita Dulzura". Canción perteneciente a su disco "Mapas", disco con el que consiguieron consagrarse y reafirmarse como uno de los grandes grupos del panorama musical español.

 Poco tiene que ver esta sentida canción con el resto de sus canciones, suena como un oasis en un repertorio lleno de grandes canciones. Y en concreto, (y como suele ser en mi a menudo), no es la canción original del disco la que retumba en mis oídos esta mañana, si no la versión que realizaron en el programa "Oh! My LOL SON Estrella Galicia" bajo la atenta mirada de Xoel López y los directores de El Mundo Today, que se quedaron sin palabras, igual que un servidor cuando la escuché por primera vez.

La voz de Pucho emerge majestuosa, clara y profunda, una voz que seduce te atrapa sin remedio...., y la letra..., esa letra con tantos significados, interpretaciones que cada uno se puede llevar a su terreno personal. Como dijo alguna vez Pucho:

 "Una canción no es importante en sí misma, es importante en cuanto alguien la hace propia y la introduce en su vida."

Por primera vez en el blog, pongo la letra entera de la canción, me ha sido imposible decidirme por una parte concreta.

"Hablemos de ruina y espina
hablemos de polvo y herida
de mi miedo a las alturas
lo que quieras pero hablemos

de todo menos del tiempo
que se escurre entre los dedos

hablemos para no oirnos
bebamos para no vernos
hablando pasan los dias
que nos quedan para irnos
yo al bucle de tu olvido
tu al redil de mis instintos

maldita dulzura la tuya
maldita dulzura la tuya
maldita dulzura la tuya

me hablas de ruina y espina
te clavas el polvo en la herida
me culpas de las alturas
que ves desde tus zapatos

no quieres hablar del tiempo
aunque este de nuestro lado
y hablas para no oirme
y bebes para no verme
yo callo y rio y bebo
no doy tregua ni consuelo
y no es por maldad lo juro
es que me divierte el juego

maldita dulzura la mia
maldita dulzura la mia
maldita dulzura la mia

maldita dulzura la nuestra"

The Lemonheads - Mrs. Robinson

Hay mañanas en las que te levantas con las pilas cargadas pese a no dormir bien, debe ser un mecanismo de defensa, como si tuvieras una batería de reserva  guardada en algún rincón de tu cuerpo que te animara a mantenerte a tope durante las primeras horas de la mañana, aunque a mediodía esa batería se descargue totalmente dejándote sin fuerzas para nada más.

Hoy fue una de esas mañanas, me levanté con buen ánimo pese a las horas despierto de la noche, y en mi cabeza retumbaba el bajo de la canción de The Lemonheads : Mrs. Robinson, una versionada vuelta de tuerca a la magnífica y original de Simon & Garfunkel. Reconozco que llevo semanas escuchándola en el coche, y si voy solo, suelo subir bien el volumen para escuchar ese marcado bajo.

The Lemonheads,  ese grupo (como otros tantos), que pudo llegar a lo más alto, y se quedó a la mitad, quizás así deseado, o quizás por "culpa" de su lider Evan Dando, más preocupado en su afición a las drogas y en su carrera en solitario, que en promocionar discos y aprovechar el boom del grunge con NIrvana a la cabeza. Aún así, nos dejó un buen puñado de buenas canciones para podernos hacer un gran recopilatorio.

La versión de Mrs. Robinson, nos hace golpear el pie contra el suelo con fuerza una y otra vez, siguiendo el ritmo de ese bajo constante, ese ritmo frenético que nada tiene que ver con la original. La voz de Evan perfectamente acompasada nos transporta directamente a la película "El Graduado", dirigida por Mike Nichols, que tanto  marcó  mi tardía adolescencia.

Aunque suelo escuchar la música a un volumen bastante moderado, esta es una de las canciones que vale la pena subir el volumen y sentir el retumbar de los bajos en tu cuerpo, y cuando la canción casi llega a su fin, y piensas que no la pueden forzar más, la batería redobla de forma prodigiosa el ritmo en los últimos segundos para dejarte con la mejor energía posible.

"Querríamos saber algunas cosas sobre usted para nuestros archivos

Nos gustaría enseñarla a ayudarse a sí misma

Mire a su alrededor, todo lo que ve son ojos comprensivos

pasee por los terrenos hasta que se sienta en casa.

Y ahí lo tiene, señora Robinson

Jesús la ama más de lo que usted cree (uo, uo, uo)

Dios la bendiga, por favor, señora Robinson

El Cielo reserva un lugar para los que rezan

(Hey, hey, hey...hey, hey, hey)"

Cigarettes after sex - Apocalypse

Hoy me levanté por la mañana, y me vino a la cabeza la secuencia de una de las mejores series que he visto últimamente, "The Rain". A parte de la temática y los escasos diálogos, me fascinó la fotografía, las luces y la banda sonora, cuidada y compenetrada con las imágenes, los silencios y las prolongadas miradas entre los protagonistas. 

Aún medio dormido, tatareaba la canción Apocalypse del grupo Cigarettes after sex, y con la mirada perdida en la pared, recordaba la secuencia en la que sonaba la canción, dos de los protagonistas abiertos al amor, descubriéndose en cada segundo, en cada mirada, en cada risa nerviosa, en cada roce...., como si ese momento fuera el más intenso y único de tú vida, el más íntimo....

Con Cigarettes after sex entramos de nuevo en el encasillamiento de las etiquetas: "dream pop", "ambient"...., un grupo labrado a base de subir vídeos a Youtube a cuentagotas, sin prisas, con millones de visitas y un estilo cuidado al milímetro lleno de melancolía. Aunque el curioso y original nombre del grupo ya defina mucho por donde van los tiros, la verdad es personalmente,  me da lo mismo como quieran definir su música, los sentimientos que me trasmiten al escuchar sus canciones están muy por encima de etiquetas y modas. Cuando una canción consigue cambiar tu estado de ánimo, su música pasa a estar en una escala superior a todas las demás, entra directamente en ese círculo exclusivo de canciones atemporales. 

"Apocalypse" consigue alcanzar ese grado exclusivo en mi escala desde el primer momento, desde los primeros segundos de escucha, te ves atrapado por el ritmo constante de la suave batería,creando una atmósfera cargada de belleza, tanto a nivel musical como de texto. La voz pausada de Greg González nos seduce con andrógina ambigüedad, con un tono cansino, como arrastrando las palabras pero con una seguridad aplastante, hablándonos de amor y sexo sin tapujos.... La letra romántica, poética, compleja, con curiosas rimas como la de "lips" (labios) y "apocalypse" (apocalipsis), que le dan ese toque sexy e interpretativo.

La canción fluye de forma suave y agradable..., perfecta para cerrar los ojos y dejarte llevar, o incluso quedarte dormido plácidamente. Pocas veces el decir que una canción te da sueño puede resultar tan positivo y placentero, y te aseguro que si te quedas dormido, te levantarás con una sonrisa en cara, como lo he hecho yo esta mañana....


"Saltaste de puentes que se desmoronaban
viendo paisajes urbanos convirtiéndose en polvo.
Filmando helicópteros estrellándose en el océano desde lo alto.

Tengo la música en ti, cariño, ¿dime por qué?
Tengo la música en ti, cariño, ¿dime por qué?

Besos en las frentes de los amantes envueltos en sus brazos,

has estado escondiéndolos en pianos ahuecados abandonados en la oscuridad."

Johnny Cash - Hurt

Reconozco que odio esa sensación al levantarse por la mañana sin haber descansado lo suficiente. Cuando has pasado una mala noche, cuando estás tan  cansado que  no eres capaz de dormir,  la cabeza te da vueltas, el cuerpo está inquieto y aunque mantienes los ojos cerrados sientes como el sueño se aleja poco a poco de ti y los minutos empiezan a caer como losas....

Me despierto  agotado, y la voz de Johnny Cash versionando Hurt, de Nine Inch Nails retumba en mi cabeza, con esa voz grave y cansada, como expirando los últimos momentos de la vida.

Hurt ,(compuesta en el año 1994), es una canción autobiográfica de Trent Reznor, quizás una de las canciones más tristes y dolorosas jamás compuestas. Un Trent Reznor sumido en una espiral de drogas y sufrimiento, acompañado por una crisis existencial que le haría entrar en una fase de autodestrucción, intenta aferrarse a lo más mínimo para no seguir cayendo en el oscuro pozo, consciente de la vida que le queda por delante, pero incapaz de saber como afrontarla. Como suele ocurrir en estos casos, ese hundimiento a los infiernos se contrapone con el mayor punto de creatividad musical. 

La versión de Johnny Cash se antoja de primeras difícil, sólo alguien que hubiera atravesado un infierno parecido, podría llegar al nivel de la original, pero él no sólo no lo consigue, sino que le da otra perspectiva completamente distinta, la de un hombre que ha conseguido todo, pero sigue sufriendo sus propios demonios, presentes y pasados... Un superviviente que canta su canción de despedida, de arrepentimiento y redención.... Johnny Cash consiguió hacer suya la canción, alejándose de la original para darle otro sentido.

Por aquellos años, la importancia de acompañar la canción con un buen vídeo era esencial, más que vídeos eran pequeños clips con una calidad de producción inmensa, en este caso, Mark Romanek consiguió crear uno de los mejores videoclips de la historia. Un resumen de sus momentos más gloriosos, contrastados con su vejez y su enfermedad. En el vídeo se puede ver a su esposa Jen, que moriría tres meses después de la filmación. Cuatro meses más tarde le acompañaría Johnny Cash...

"Llevo esta corona de espinas, 
sobre mi trono de mentiroso.
Lleno de pensamientos rotos
que no puedo arreglar.
Bajo las manchas del tiempo, 
los sentimientos desaparecen.
Tú eres otra persona, 
yo todavía sigo estando aquí.

¿En qué me he convertido, 
mi más dulce amigo?
Todas las personas que conozco, 
al final se van.
Y podrías tenerlo todo,
mi imperio de basura.
Te decepcionaré, 
te haré sufrir."

Mikel Erentxun - Y sin embargo te quiero.

Hoy me levanté por la mañana pensando en el ir y venir de las relaciones, como el vaivén de las olas...., unas más grandes y largas, otras cortas, espumosas y más tranquilas.... Así es como se construyen las relaciones, y como con el tiempo aprendes a valorar los errores, los temores y los momentos bajos, para a continuación coser con hijo gordo y resistente una vida en común que se agranda con los años....

Este disco de Mikel Erentxun, "El hombre sin sombra", me fue enganchando poco a poco en cada escucha para convertirse al final en ese disco del día a día.
Al contrario que los anteriores, este es un disco intimista, mayormente acústico y cercano, de esos que te gustan escuchar en soledad. La voz de Mikel suena cercana, limpia, su voz sale del corazón, con la madurez suficiente de saber que no tiene nada que demostrar más que el disfrutar componiendo las canciones de un disco conceptual que empieza con un amor agrietado que se va reconstruyendo canción a canción.

"Y sin embargo te quiero", es una declaración de amor en toda regla, un reconocimiento a la superación, un latido constante del corazón que transmite la emoción del autor.  "Me han crecido alas en las cicatrices", quizás sea este el verso que define al disco.

"Pensando en ti
Con sangre en las gotas
Cicatrices de miel
Y el alma rota
Fuimos los dos
Fuimos ninguno
Amor animal
Amor forastero
Es martes la lluvia cae con fuerzas en la ciudad
Y sin embargo te quiero...."

Los Planetas - Linea 1

Hoy me he levantado y me he sentido bien.... Quizás fueran las dos cervezas que me tomé ayer en buena compañía, esos momentos tranquilos llenos de buenas conversaciones entre sorbo y sorbo que hacen que el tiempo se detenga aunque la realidad sea completamente distinta, esos momentos en los que de pronto surge el milagro, como en multitud de ocasiones,entre tema y tema termina apareciendo esa canción que estabas esperando, esa melodía que se quedará en bucle en tu cabeza. Cuando me acosté ayer, sabía que por la mañana me iba a levantar tatareando esta canción.

"Linea 1", melodía sencilla y bella. Directa y explícita. Canción perteneciente al que quizás sea el mejor disco de Los Planetas, y uno de los mejores discos del rock español: "Una semana en el motor de un autobús". Disco que marca un antes y un después en el grupo, que en una edad clave, consiguió abrirme un universo sonoro completamente nuevo, lleno de capas y texturas sonoras. Jota y compañía editan su mejor disco una vez que tienen asumido que jamás serán ese grupo de superventas con el que habían soñado, dan rienda suelta a la creatividad y nos regalan unas canciones llenas de vida, amores, celos, drogas y culpas..., un mundo de autodestrucción sin fondo, un pozo en el que dejarte caer sin esfuerzo, sin mirar atrás.

Uno de los pilares del disco, que lo diferencian de su antecesor, es la incorporación de Erik Jiménez, batería de Lagartija Nick, que marca el ritmo sonoro constante en todas las canciones. Una batería dura y agresiva que contrasta con los arreglos de cuerdas y violines que acompañan a la mayoría de las canciones y que muchas veces te preguntas que pintan ahí..., pero que con el tiempo te das cuenta que son parte imprescindible que completan la obra maestra. 

La canción, que originalmente fue preparada para ser eléctrica y termina siendo una preciosa balada acompañada de unos deliciosos arreglos de cuerda,  cuenta el trayecto de la Linea 1 de autobús que cogía Jota para ir a casa de su amigo Florent, la misma línea que usaban los toxicómanos para ir a comprar a un barrio de la ciudad.... Ese sentimiento de culpabilidad, de querer arreglar tu vida, pero terminar cayendo de nuevo.... Como cuenta en la canción: "Después de todo, esto no está mal....".

"Iba a hacerlo esta mañana.
Levantarme de la cama.
Comprar algo de comida.
Empezar con otra vida.
Pensé que sería lo mejor,
toda esta mierda se acabó
Voy a dejarlo de verdad,
ya no me gusta nada.
Y a ordenar por fin la casa,
y lavar estas dos mantas,
y recuperar mis discos,
y unas cosas que he perdido.
Y después pensé: ¡mejor que no!
y puse la televisión.
Subí a pillar un poco más,
después de todo esto no está mal."

Gary Jules - Mad World

Hay mañanas que te levantas escuchando las noticias, y poco a poco te vas hundiendo en la cama, como si tu cuerpo cada vez tuviera más peso y te costara mover cada músculo. Es una sensación de desamparo, ver como nos vamos destruyendo poco a poco, y las noticias asépticas y carentes de sentimientos están al orden del día, como si nos hubiéramos acostumbrado a las bombas, asesinatos, guerras, insultos...., la anormalidad convertida en normal.

Ahí entra esta preciosa versión de Gary Jules y cómo una canción puede ser bonita y triste a la vez. Canción originalmente compuesta por Tears for Fears en el año 1982, y que Gary Jules consigue con su versión, desprenderse del sonido ochetentero y de los sintetizadores, para dejarla casi desnuda, únicamente con una base de piano y unos sencillos arreglos de cuerda que la dejan limpia de artificios....

La canción describe desde la perspectiva de un adolescente, un mundo gris, con gente inexpresiva, desorientada, sin futuro..., en donde se disfruta el sueño como evasión. Por eso admiro e intento imitar a la gente positiva, que pese a los golpes que da la vida,  son  capaces de ver el vaso medio lleno.


"Todo a mí alrededor son caras conocidas
Sitios gastados, caras gastadas.
Listas y despiertas para sus carreras diarias
Hacia ningún sitio, hacia ningún sitio.
Sus lágrimas empañan las gafas
Inexpresivas, inexpresivas.
Oculto mi cabeza, quiero ahogarme en mi pena
No hay mañana, no hay mañana.
En cierto modo resulta divertido, en cierto modo triste.
Los sueños en los que agonizo son los mejores que he tenido."


Existe dos vídeos de la canción. El primero que vi, y que más me impactó, fue el realizado para promocionar un juego Gears of War, imágenes apocalípticas que se adaptan perfectamente al ritmo de la canción. 

4 non Blondes - What´s up?

Desde hace días, me despierto con la palabra ilusión en mi cabeza. Es cierto que cuesta mucho mantener la ilusión por las cosas cotidianas que realizas, pero si no consigues que cada día tenga ese punto que lo haga diferente al anterior, la vida se vuelve monótona y sin sentido...

Cuando hablo de ilusión, me viene a la cabeza la cara de Linda Perry, cantante y líder del grupo 4 non Blondes, grupo efímero de un sólo disco, más aún, dentro de ese único disco, un sólo éxito. No contenta con la producción final del disco, ni con el futuro del grupo, decidió intentar la carrera en solitario, con poca fortuna. Fortuna que si tuvo como productora de grandes artistas. 

Ahí la tengo en mi cabeza,  cantando "What´s up?", con esos ojos brillantes, vivos...., con esas ganas de comerse el mundo. ¡Y vaya si se comió el mundo!, una canción y un vídeo que marcaron el rock alternativo de principios de los noventa.

"What´s up?" es un canto a la revolución, una revolución pacífica llena de ilusión, un canto sonoro que te grita al oído que puedes ser lo que quieras si tomas conciencia de tu propio valor. Es lo que Linda se pregunta a lo largo de toda la canción: "¿qué está pasando?, "vamos a cambiar el mundo", necesitamos una revolución"...., y aunque hubieran pasado ya más de 25 años, es un mensaje actualmente vigente.

"Y a veces lloro
Cuando reposo en mi cama
Solo para sacar todo
Lo que esta en mi cabeza
Y me siento algo raro.

Y entonces me despierto por la mañana
Y salgo fuera
Y tomo un buen respiro y llego hasta arriba
Y grito a todo pulmón
¿Que esta sucediendo?"

Anni B Sweet - Take on me.

Hoy me levanté descansado, y reconozco que no suele ocurrir muy a menudo. Pocas veces consigo descansar lo suficiente, pocas veces me despierto relajado y con esa sensación de haber recuperado el cansancio acumulado del día anterior. Por eso, cuando hoy me desperté, pese a que estaba lloviendo y aún era de noche,  me vino a la cabeza esta preciosa versión de La famosísima canción de A-ha: Take on me. Versión facturada de forma magistral por Anni B Sweet.

Allá por el 2009, Anni B Sweet publica su primer disco, cuando aún era menor de edad, pero con una madurez que consiguió asombrar a público y crítica: Start, restart, undo, un puñado de canciones que  bebían de las influencias folk, un acústico melancólico que se suma a Russian Reed y Alondra Bentley, las cuales habían triunfado poco antes con la misma fórmula.  

La voz melancólica, aguda, capaz de variar los registros vocales sin apenas esfuerzo, acompañado de un sencillos arreglos, apenas una guitarra y algunas veces una leve percusión que ni por asomo le quita protagonismo, la consolidaron después de tres más que notables discos, en un referente del indie español.

La versión de Take on Me, la catapultó hacia el éxito internacional gracias al anuncio de una famosa cadena de de comida rápida,  llegando el vídeo a emitirse en la famosa cadena musical de TV: Vh1. Como ya dije en alguna ocasión en este blog, la dificultad de llevar a tu terreno una canción, hacerla tuya, y lograr cautivar a una generación que se crió escuchando la original, merece todo el respeto.

“Me iré en uno o dos días. 
No hace falta decir que 
estoy hecho pedazos. 

Pero ese que está 
caminando soy yo. 
Aprendiendo lentamente 
que la vida está bien. 

Dilo conmigo: no es mejor estar 
seguro que lamentarlo.”

Band Á Part - David y Claudia.

Hoy, cuando desperté esta mañana de un profundo sueño, y dejaba que mi cuerpo se fuera activando poco a poco a la rutina de la vida, recordaba el punteo  de guitarra de esta canción que se repetía una y otra vez con ese ritmo constante, que hacía que moviera la cabeza al ritmo de la suave batería.

Claudia y David, canción original de Los Planetas, un clásico  convertido en imprescindible de la historia del rock español, versionada aquí por el grupo Band Á Part con notable maestría. No es fácil elegir una canción con tanto peso, llevarla a su terreno en lo musical y en lo vocal, y salir airoso. El peligro de las “covers”, ¡cuantas canciones destrozadas en el intento!. Si hubiera tenido que arriesgarme a predecir una opinión antes de escucharla, conociendo el estilo musical del grupo me hubieran asaltado los prejuicios, muy habituales en el mundillo musical, quizás no hubiera perdido ni un segundo de mi valioso tiempo libre, por eso he de agradecer a mi yo curioso por descubrirme esta delicia, y llegar a la conclusión de que es difícil poderlo hacer mejor.

Claudia y David, de nuevo una canción de amor. Irónicamente los nombres están basados en la historia del mago David Copperfield y la modelo Claudia Schiffer, pero en el fondo, esconde un amor pasional, un amor idealizado hasta el extremo, de esos que te encierran en un mundo paralelo al real, que te aíslan de todo lo que te rodea para centrarte en lo único que existe en ese momento en tu vida, el creer que si estamos los dos juntos, nuestro amor podrá con todas las trabas de la vida. Romanticismo extremo, o lo que es lo mismo, egoísmo en estado puro.  ¿A quién no le ha pasado alguna vez?, o..., ¿quién no ha tenido ese amigo que de pronto desaparece del mundo al conocer a una chica?...

La suave y aniñada voz de Coral, totalmente opuesta a la de Jota (cantante de Los Planetas), transforma la sensación de angustia de la original, en una canción vital, consiguiendo darle un toque de viveza y de alegría ficticia.


"Puedo hacer una prueba 
Puedo hacer que me quieras 
Puedo andar dentro de ti 
Puedo estar en tu cabeza y 
Que no mires a nadie nunca más"

Los Piratas - Mi coco

Hoy me levante pensando en lo rápido que pasa el tiempo, la rapidez con la que transcurren los días y lo poco que disfrutamos del momento, el tiempo que perdemos en analizar actos pasados que apenas importan ya, en juzgar a personas que quizás no conocemos, o que sí que conocemos, pero nos cuesta aceptarlos tal y como son, en preocuparnos en lo que piensan los demás, en lo que dirán, en como nos miran, en buscar la felicidad futura olvidándonos de vivir el presente. Así transcurre nuestro día a día....

Con estas ideas en la cabeza recién despierto, no puedo dejar de escuchar esta cancion, la voz de un Iván Ferreiro en estado de gracia, conteniendo la rabia y e inmerso en un de dudas... "Mi coco" de Los Piratas, canción perteneciente a su disco más completo: "Manual para los fieles" del año 1997, con el que consiguieron el mayor éxito de crítica y ventas, amparado por ligeras bases electrónicas claramente influenciados por unos Radiohead, que en ese mismo año publicarían el que para muchos es el mejor disco de la década, el Ok computer.

"Mi coco" no deja de repetir una y otra vez esas frases directas, positivas..., ese intento por luchar y seguir hacia adelante después de un fracaso:  "La pena dura tanto como quieras tú seguir llorando", una frase simple y clara, todo una declaración de intenciones en donde Iván Ferreiro te invita, casi de manera forzosa, a dar ese cambio que necesitas, a darte la vuelta y mirar al frente con optimismo..., un optimismo que parece no existir, pero que se busca con intensidad.



"Y cómo le podría yo explicar 
que la pena dura tanto 
como quieras tú seguir llorando, 
y aunque tú revises tu interior 
siempre queda algo que 
te dice que esto es para largo. "

Cat Power - Sea of love

Hoy me he despertado con esta canción en la cabeza, y al momento me fueron apareciendo pequeños fotogramas  de la película Juno, de Jason Reitman, esa típica película que cuando la ves en el momento y a la edad adecuada, se convierte en una joya, que sabes que volverás a ver cada cierto tiempo por temor a olvidar esos pequeños detalles que te estremecieron las primeras veces.

La estética pop, la temática, los personajes...., todo esto acompañado de una fabulosa banda sonora llena de canciones que se adaptan a cada momento de las secuencias como pequeños videoclips, que no podrían entenderse por separado, una canción tras otra que te ayudan a introducirte de lleno en la historia de Juno. Reconozco que rápidamente me cautivó  el personaje secundario que interpreta Jason Bateman, marido acomodado en la cuarentena, que cuando empieza a tener contacto con la adolescente protagonista Juno y se da cuenta que esa no es la vida que quiere vivir, y comienza a recuperar todas las ilusiones truncadas y denostadas a la fuerza por la sociedad para hacerse mayor y responsable. Me pareció un toque irónico de como son nuestras vidas, y como la sociedad nos obliga de desprendernos de nuestra capacidad de ser niños....

Ahí es en donde entra Cat Power versionando Sea of Love, tan sólo con su guitarra y su voz, no puede existir una letra tan sencilla, pero a la vez tan directa. Una declaración de amor en toda regla narrada por la frágil voz de Cat Power, como si un día se hubiera despertado sin más, agarrado su guitarra, y sin pensarlo se hubiera puesto a cantar, con la inocencia de una niña que realiza sus actos sin pensar, sólo porque le apetece..., sin más. 

 Mientras escucho la canción, veo a los dos protagonistas ( Ellen Page y Michael Cera), abrazados..., tumbados encima de la cama, pensando en el incierto pero ilusionante futuro post-adolescente que les espera, pero disfrutando del momento intensamente, como si ese instante fuera el último de sus vidas.


"Ven conmigo,
Mi amor,
Hacia el mar,
El mar de amor.

Quiero decirte,
Lo mucho que Te Amo.

Recuerdas cuando nos conocimos?
Ese fue el día que supe que serías mío.

Quiero decirte,
Lo mucho que Te Amo."

Morcheeba - Moog Island.

Hoy me desperté destemplado, con esa sensación de tener el calor concentrado en una posición, y que con cada movimiento, tu zona de confort se ve alterada. Al momento me recordó a mis años universitarios en Ferrol, al frío que pasaba por las mañanas al levantarme, esa humedad que se te metía en los huesos y no se iba ya en todo el día por mucho que te abrigaras. Por aquellos años comenzaba a despuntar el Trip-Hop, una nueva etiqueta para definir un estilo de música que fusionaba el soul, blues, la variante más experimental del breakbeat, la electrónica...Canciones pausadas, basadas en samples y beats repetitivos. Todo una mezcla de estilos. Ahí estaba yo, que renegaba de todo lo que no fuera la estructura básica del Rock (batería, bajo, guitarra), empezando a escuchar grupos como Portishead, Tricky o Morcheeba... 

Recuerdo ir caminando a clase con mi Walkman por la calle, con esa sensación rara de no saber aún que era todo aquello,  y sin creerme pudiera estar escuchando ese tipo de música, tal repetitiva, con guitarras ocasionales que ya no eran protagonistas, pero lo curioso es que me gustaba, me atraía y disfrutaba con cada escucha.

Moog Island, es la canción que abre el primer disco de Morcheeba, “Who can you Trust?”.  Juntar a los hermanos Godfrey (un Dj y un multi instrumentalista), con la voz sedosa y profunda de Skye Eduards, sólo podía dar como resultado una mezcla de talento transformado en unas canciones hipnóticas. A lo largo de su discografía, Morcheeba fue variando su música hacia estilos más poperos,  más soul, quizás más comerciales, aunque manteniendo la base que los encumbró como unos de los máximos exponentes del Trip Hop.

La voz sedosa y susurrante de skye, y esos bajos constantes que acompañan a toda la canción, te hace caer en un estado de pausa, de sedación, en donde el tiempo transcurre despacio al ritmo de los samples de Godfrey. Una joya que dura 5:22 minutos, pero que podría durar un disco entero sin darte cuenta. 

Esta canción representa su música en estado puro.

“La música que hacemos va a curar todos nuestros errores y nos lleva,
La música que escuchamos está siempre de pie cerca para alimentarnos.”

Francisco Nixon - Bares de taxistas

Hoy me he despertado con una sonrisa, esa sensación tranquila de que todo va a ir bien, hoy no habrá problemas ni sobresaltos, y si los hay, la importancia y el tiempo que dedicaré a preocuparme por ellos, va a ser nula. Hoy nadie ni nada conseguirá alterar mi estado de ánimo, mi sonrisa sarcástica.

Abrí los ojos, y un Francisco Nixon acompañado de su destartalada guitarra apareció ante mi tocando esta canción. Vi su cara irónica cantando a esa chica a la que hace tiempo que no ve, como lo hace un romántico empedernido de mirada tímida.

Las canciones De Francisco Nixon son cercanas, sinceras y sencillas..., no tienen ningún artificio que empañe lo que verdaderamente quiere transmitir. Después de formar parte de los dos mejores grupos del índice español, Australian Blonde y La Costa Brava, Nixon ya no tiene nada que demostrar, disfruta construyendo pequeñas melodías con letras directas, muchas de ellas seguramente autobiográficas como esta: Bares de taxistas, dedicada al Bar Iberia en Madrid, típico bar que a unas horas determinadas se mezclan los que empiezan la jornada laboral con un buen café cargado, con los que buscan tomar la última copa cargada de hielo incapaces de irse a casa a descansar...,  coincidiendo por un momento, dos estados de ánimo que comparten espacio y tiempo, pero con fines completamente diferentes.

Bares de taxistas pertenece al disco: “El problema de los tres cuerpos”, una joya de disco creado a tres bandas con dos buenos amigos The New Raemon y Fernando Vicente. El sonido es limpio, y la canción suena desnuda, como si saliera directamente de la cabeza a la voz, sin grandes metáforas..., hablando de la vida cotidiana, de lo que nos puede pasar una mañana a ti a mi, del día a día, de nuestras vidas...

“No tengo nada que ofrecerte,
Me enamore nada más verte...
Y me encontraré contigo,
Y estaremos bien...
Como dos desconocidos..., 
Sin saber que hacer,
Sin saber que hacer....”

The Connells - ‘74-‘75.

Hoy me desperté con un sentimiento de nostalgia muy por encima al de cualquier otro día, no se si los sueños (de los que casi nunca me acuerdo), influyen en esa sensación matutina, pero hoy nada más despertarme, estuve unos minutos pensando en el paso del tiempo, en lo rápido que pasa la vida y lo poco que la disfrutamos. Al momento Me vinieron a la cabeza las imágenes del vídeo de esta canción. Ahí estaba de nuevo la MTV, mostrándonos un vídeo trabajado, de esos que cuando lo graban, saben que lo van a ver millones de personas, y sería un espaldarazo para que la canción y a su vez el disco llegara  a ser un gran éxito.

The Connells, uno de esos grupos, que si no hubiera sido por esta canción, perteneciente a su disco: Ring (1993), se habría quedado en un grupo intrascendente, pero que consiguió el éxito masivo gracias a la cadena musical, y ese vídeo que mostraba a una promoción en sus tiempos de instituto, y cómo se transformaron casi veinte años después. Todos buscábamos explicaciones al vacío entre unas imágenes y otras, imaginándonos esos años de difíciles elecciones personales que marcan tu vida para siempre.

El grupo sufrió lo inesperado, tener más éxito fuera que en su propio país, lo que fue un arma de doble filo. Por un lado, que siempre te recordarían en todo el mundo por esta canción, y por el otro, que pudieras seguir grabando discos con apenas repercusión comercial. Es el precio que tienes que pagar por conseguir un “hit” tan rotundo.

Nostalgia..., sí, ya se que es un recurso fácil, pero hay que decir que lo que les valió en su momento para ser un éxito, sigue estando vigente en nuestros días, más aún cuando mi generación, la que disfrutó de esta canción con la recién cumplida mayoría de edad, sufre ahora con los cuarenta un ataque de nostalgia sin precedentes preguntándose continuamente...., qué hubiera pasado si aquel día hubiera dicho que si...., si no me hubiera ido a casa..., o si hubiera tenido agallas y le hubiera dado aquel beso....

“Yo fui el que te lo dijo,
yo fui tu "y fueron infelices y no comieron perdices" 
de los años 74 y 75
Dame más y resistiré,
porque en realidad tú solo buscas los años 74 y 75....”

Nirvana - Where did you sleep tonight.

Hoy cuando me desperté por la mañana ya era tarde. La poca luz de un día nublado y húmedo entraba por la ventana, y me sentía tan descansado y tranquilo,  que me vino a la cabeza la imagen de un Kurt Cobain totalmente relajado y sonriente, con esa chaqueta raída de.... ¿ lana?, sentado, cantando como nunca lo había hecho, sin esa mala leche que mostraba en los conciertos, en el Unplugged de la MTV grabado en 1994 en New York. No se si esta sensación fue una coincidencia o no, pero recordando a Cobain interpretando la última canción del disco poco antes de suicidarse, me ha recordado a la entrada anterior del blog, como si fuera una cara b de un disco. La cara b del My My, Hey Hey de Neil Young.

Reconozco que su muerte, unos meses después me impactó, y escuchar su voz en este disco publicado poco después de haberte pegad un tiro en la cabeza, resultaba duro y a la vez premonitorio de lo que ocurriría después. No fue un grandes éxitos  como pretendía la MTV, sino que tocaron las canciones que más le apetecían, e incluso un tercio del disco eran versiones. La voz de Cobain se escucha pura, con un poso de dolor, la de un hombre atormentado, por las drogas, dolores de estómago..., sobrepasado por la repentina fama difícil de digerir. Todo ese dolor queda reflejado en cada nota, en cada rasgueo de la guitarra, en cada frase pronunciada como si fuera la última vez. Quien sabe si ya tenía todo planificado en su cabeza.

Where did you sleep tonight, es la última canción del disco, una canción Folk tradicional, sin autor reconocido e interpretada por multitud de artistas. Pero la desgarradora interpretación de Cobain, fue considerada la versión definitiva, con esa carga emocional acumulada en su interior sobre todo al final de la canción. 

En mis retinas quedará grabada esa mirada perdida en el infinito, antes  de cantar la última frase de la canción. ¿Se puede transmitir más sentimientos  en tan poco tiempo?

“Murió alrededor de una milla de aquí. 
Encontraron su cabeza en el volante del coche, 
Pero su cuerpo nunca fue encontrado. 
Mi chica, mi chica, donde irás? 
Voy donde sopla el viento frío. 
Mi chica, mi chica, no me engañes. 
Dime, donde dormiste anoche ?”